La mort du musicien de classe moyenne
(thewalrus.ca)- L’essor des plateformes de streaming et l’effondrement du marché des supports physiques ont rendu la survie économique des musiciens de classe moyenne de plus en plus difficile
- Les musiciens ont tenté de générer des revenus par divers moyens — contrats avec des labels, tournées, travail en freelance, aides publiques — mais restent confrontés à l’instabilité et à de faibles revenus
- Les grands labels et les services de streaming captent l’essentiel des revenus, tandis que la plupart des musiciens gagnent moins de quelques milliers de dollars par an
- La hausse des coûts des tournées, l’inflation et la génération musicale par IA aggravent encore la situation, accélérant le stress psychologique et la disparition des musiciens de classe moyenne
- Parmi les pistes de solution figurent une réévaluation de la valeur portée par les artistes, un investissement public durable et l’adoption de nouveaux modèles de revenus
L’émergence et la disparition du musicien de classe moyenne
Rollie Pemberton a commencé comme rappeur à l’adolescence et s’est fait connaître sur Internet. Il a ensuite poursuivi sa carrière sous le nom de scène Cadence Weapon, construisant un parcours à la fois de critique et de musicien dans des médias musicaux comme Pitchfork.
En 2006, il signe un contrat 360 avec Upper Class Recordings, ce qui lui ouvre des opportunités de croissance artistique, comme la sortie d’albums et les tournées. Mais à cause de l’iniquité de la répartition des revenus artistiques, le label capte la majeure partie des gains et lui ne parvient qu’à survivre. Entre 2006 et 2015, il a rapporté plus de 250 000 dollars au label, mais n’a pratiquement perçu aucun revenu réel en dehors d’une avance d’environ 10 000 dollars.
La structure des labels et l’essor du streaming
À la fin du XXe siècle, le boom du CD et les ventes de supports physiques permettaient aux musiciens de mener une vie de classe moyenne supérieure, mais le passage au partage de fichiers avec Napster et à l’ère du streaming a profondément bouleversé l’industrie. De grands labels comme Sony, Universal et Warner contrôlent 70 % du marché et tirent des profits massifs de leurs catalogues de contenus ainsi que de participations dans Spotify.
À l’inverse, la répartition des revenus sur les plateformes de streaming est devenue extrêmement faible : même avec plus d’un million d’écoutes sur Spotify, un artiste ne touche souvent que moins de quelques milliers de dollars. En dehors d’un petit nombre de stars, les grands labels n’assurent plus un soutien durable à la majorité des nouveaux artistes et des musiciens confirmés.
Le streaming et la réalité des artistes indépendants
L’arrivée des services de streaming a apporté l’avantage d’une démocratisation de la production et de la distribution musicales. Chacun peut mettre en ligne ses morceaux et élargir sa base de fans via les réseaux sociaux, mais des dizaines de milliers de titres sont publiés chaque jour, ce qui intensifie excessivement la concurrence. La plupart des musiciens se retrouvent dans une situation où il est difficile de dégager ne serait-ce qu’un revenu de subsistance.
Selon Jennifer Brown, dirigeante de la SOCAN, entre autres, les artistes veulent moins la richesse et la célébrité qu’une capacité à faire vivre leur famille et à gagner leur vie dans la dignité. Beaucoup sont profondément déçus de ne recevoir qu’environ 600 dollars pour un million d’écoutes.
La détérioration du marché du live et la réalité des tournées
Depuis la pandémie de Covid-19, le nombre de salles ayant survécu a diminué, et les coûts des tournées ont fortement augmenté sous l’effet de l’inflation, de la hausse des primes d’assurance et des frais de visa. Les tournées ne sont plus une source de revenus, mais une activité souvent déficitaire.
Par exemple, lors de sa dernière tournée, Tokyo Police Club a eu du mal à retrouver la rentabilité durable d’autrefois à cause de la pandémie, de l’intensification de la concurrence, de la hausse du coût de la vie et de l’explosion des frais de visa pour les États-Unis.
La crise de la santé mentale chez les musiciens
L’insécurité économique, la faible stabilité professionnelle, la surcharge de travail et la frustration liée au manque de résultats provoquent chez de nombreux musiciens une crise psychologique faite d’anxiété, de dépression et parfois d’idées suicidaires. Selon l’enquête “Soundcheck” de Revelios, 86 % disent avoir connu des problèmes de santé mentale et 94 % ressentent une instabilité permanente.
Les limites des subventions et du capital privé
Les musiciens reçoivent des aides directes par divers canaux : subventions publiques, sponsoring d’entreprise, fonds caritatifs ou événements privés. Mais les coupes budgétaires publiques et les limites du capital privé ne permettent pas d’offrir une stabilité suffisante. Pour une véritable solution, il faut un investissement public durable et de nouveaux modèles de revenus.
La valeur de la musique et les problèmes structurels
La musique est un bien culturel essentiel pour la société, mais avec la numérisation et le streaming, elle a perdu sa valeur monétaire. Le public s’attend à pouvoir accéder à la musique gratuitement, partout et tout le temps, ce qui alimente une absurdité structurelle qui menace directement la survie de celles et ceux qui la créent.
Une recréation de la valeur portée par les artistes
Le musicien Torquil Campbell a partagé son expérience de redéfinition de la valeur de sa musique via la vente directe et la création de morceaux sur mesure. Il souligne l’importance de canaux de revenus indépendants, comme la vente directe de MP3 en quittant des plateformes telles que Bandcamp, ou encore le renforcement de la relation directe avec les fans. Mais ces modèles ont eux aussi leurs limites tant qu’une base de fans suffisante n’est pas atteinte.
La nécessité d’un changement institutionnel
Les exemples de contrats d’artistes influents comme Taylor Swift, ainsi que les appels à des standards éthiques pour les acteurs du secteur, montrent le potentiel d’une solidarité entre artistes et d’une action collective. Certains plaident aussi pour que les plateformes de streaming adoptent un modèle où l’abonnement de chaque auditeur est effectivement réparti entre les artistes qu’il écoute réellement.
Des acteurs de l’industrie comme la SOCAN ou Six Shooter insistent sur l’importance d’un renforcement des investissements publics dans les arts et de la construction d’infrastructures, tout en soulignant que la solution décisive passe par une réévaluation sociale de la valeur même de la musique et par une transformation structurelle.
Conclusion et perspectives
Le système actuel, centré sur les grands labels et les plateformes de streaming, menace l’existence même des musiciens de classe moyenne et diffuse ses effets pervers dans l’ensemble de la société. Pour s’attaquer au problème à la racine, il faut à la fois une résistance créative des artistes eux-mêmes, une action collective et une redéfinition de la valeur, ainsi qu’une prise de conscience sociale et un soutien politique.
La campagne #MyMerch de Rollie Pemberton, les petits concerts centrés sur les musiciens indépendants et des trajectoires de carrière plus autonomes font partie des alternatives évoquées.
Comme la musicienne Lido Pimienta, beaucoup espèrent simplement pouvoir vivre de leur travail, et le moment est venu de mesurer l’impact social plus large de la disparition des artistes de classe moyenne. Pour assurer la pérennité de la musique et de l’art, l’implication des fans, le soutien de la société et les efforts des artistes pour recréer leur propre valeur sont mis en avant.
1 commentaires
Réactions sur Hacker News
Partage d’expérience : parmi toutes les réponses, celle entendue le plus souvent est « le gouvernement devrait instaurer un revenu de base universel ». Si l’on balaie ce type d’idée d’un simple « irréaliste », on ne résoudra jamais le problème de fond que nous avons, à savoir l’inégalité économique généralisée. De plus en plus de personnes perdent même l’accès à des opportunités d’emploi permettant simplement de vivre correctement. Conviction que des solutions larges comme le revenu de base, l’impôt sur la fortune ou le démantèlement des grandes entreprises valent bien mieux que des micro-ajustements secteur par secteur
Accord sur le besoin de solutions larges et structurelles comme le revenu de base, l’impôt sur la fortune ou le démantèlement des grandes entreprises, mais remarque que le revenu de base a déjà été testé à plusieurs reprises, sans effets nets clairement positifs ou négatifs. Cela ne crée pas non plus de nouveaux musiciens. Son avantage est d’être administrativement simple, donc plus économique à gérer. L’impôt sur la fortune peut forcer à vendre des actifs et provoquer de l’inflation, ce qui irait aussi dans le sens d’une diminution du nombre de musiciens. En pratique, il faudrait plutôt copier des systèmes qui fonctionnent selon les pays. Exemple du Japon, où le faible coût de la vie, un secteur éducatif mature et une structure salariale relativement basse expliquent qu’il y ait beaucoup de musiciens. En particulier, les emplois étant limités pour les femmes japonaises, débuter comme idol y est aussi une réalité fréquente
Je pratique à un bon niveau, en amateur, diverses activités comme le sport, la musique ou les arts plastiques, mais je parle aussi en tant que salarié qui paie beaucoup d’impôts. Il faut me convaincre de la raison pour laquelle d’autres devraient être entièrement soutenus pour développer leur talent. Il ne faut pas confondre « les personnes qui travaillent vraiment dur mais n’arrivent pas à tenir » avec « celles qui se lancent dans l’art par pure passion ». Si l’on exige sans cesse davantage de moi, je n’aurai plus envie de contribuer. Les ultra-riches et les hauts revenus évitent déjà largement leur part par toutes sortes de moyens
Le problème vient, selon moi, des préférences sociales et individuelles. L’écart de revenus entre musiciens ? Les gens préfèrent énormément certains musiciens et certaines chansons. Le revenu de base ou la fiscalité n’ont en pratique presque aucun effet sur l’écart entre le milieu et le haut du classement dans le divertissement. Même chose pour la pénurie de logements, qui découle au fond des préférences des gens en matière d’espace et de localisation. Il faut d’abord diagnostiquer et traiter la cause profonde pour trouver une vraie solution
Point de vue partagé : il ne s’agit pas d’un échec d’une industrie particulière, mais d’un problème structurel où l’ensemble du système est conçu pour aspirer la valeur du bas vers le haut
Le problème commence avec des règles économiques elles-mêmes injustes. Métaphore d’une partie de Monopoly où l’on rejoint la table après plusieurs tours. Les coûts du logement excessifs en sont un exemple. Et ceux qui gagnent beaucoup d’argent grâce à leur travail l’utilisent aussi, consciemment ou non, comme une « arme » contre la vie et les choix d’autrui, créant encore plus d’inégalités. Conviction que reconnaître que le système est cassé est le point de départ
Témoignage d’un ingénieur bien rémunéré, issu d’une école d’ingénieurs, qui a aussi joué dans un groupe. Il aimait la musique au point d’envisager d’en faire son activité principale, mais même avec des cachets à quatre chiffres, une fois ramenés au taux horaire, les revenus restaient en dessous du salaire minimum. Avec un manager, les frais de déplacement, etc., le revenu réel diminuait encore. En semaine, il n’y a tout simplement pas assez de concerts pour en vivre. Si davantage de restaurants ou d’autres lieux permettaient des performances live toute la semaine à l’échelle locale, les musiciens pourraient aussi travailler les jours ouvrables et une carrière à plein temps deviendrait plus réaliste, mais l’infrastructure n’existe pas encore à ce niveau. Tant qu’on ne peut pas remplir son agenda de semaine avec des concerts, les musiciens talentueux n’ont d’autre choix que de partir vers autre chose
Même en jouant toute la semaine sur Broadway à Nashville, le salaire mensuel est misérable au regard de l’effort. Il faut se limiter à certains genres et mener une vie d’usure avec plusieurs performances par jour. Pour survivre comme musicien, il faut cumuler groupe d’église, groupe de mariage, sessions, cours, tech instrument, et autres activités annexes, dont plus de la moitié dépendent purement de la chance. C’est une réalité très dure, mais profondément ressentie
Observation récente : depuis la pandémie, les concerts en soirée en semaine sont redevenus assez nombreux. Cela s’est renforcé pendant la reprise et cela n’a pas encore disparu, ce qui est vu comme une évolution positive
Arrive à la conclusion que « le monde n’accorde pas assez de valeur à la musique ». Au fond, pour la plupart des musiciens, cela ressemble à un « jeu » qu’ils font pour eux-mêmes. En faire un métier exige de très grands sacrifices. Le monde actuel ne valorise pas suffisamment la créativité. On voudrait changer cet état de fait, mais la réalité semble déprimante
Explication du cas de Rollie Pemberton présenté dans l’article et de la structure des contrats 360 des labels. Les revenus de Pemberton venaient surtout de prix et de subventions plutôt que des tournées ou des disques, ce qui a fait de ce cas un exemple atypique où Upper Class Records a capté des profits anormaux du fait même de la structure contractuelle. Pour la plupart des musiciens, ce type de contrat ne s’applique pas ainsi. En réalité, les labels perdent plus souvent de l’argent qu’ils n’en gagnent sur les artistes de milieu de gamme. Dans la plupart des médias, startups ou entreprises pharmaceutiques, on retrouve la même logique : ce sont les « superstars » et un nombre infime de réussites qui déterminent l’ensemble de la rentabilité. Dans cette structure, « seuls les gagnants nourrissent l’ensemble ». Même les contrats intermédiaires servent souvent de produits d’appel à perte, dans l’espoir d’obtenir de meilleures opportunités en se concentrant sur une poignée de réussites. Recommandation de la chronique associée de David Lowery
Mention de la théorie de l’économie des superstars (Rosen, Sherwin. "The Economics of Superstars"). Elle explique comment de très petites différences entre individus peuvent produire d’énormes écarts de revenus. La faiblesse des revenus des artistes vient d’un « excès d’offre » de talents prêts à sacrifier leur vie, ainsi que de la « rareté rentable » renforcée par la promotion et le marketing. Il est donc presque naturel que les labels prennent une part plus importante. Les revenus d’un artiste ne croissent vraiment de façon spectaculaire qu’au-delà d’un certain seuil de succès
On oublie aussi facilement à quel point la plupart des groupes et artistes échouent, et combien cela coûte en argent et en efforts. Les labels dominent en outre l’industrie de manière opaque grâce à leur pouvoir de marché et à leur capacité de financement, avec toutes sortes de pratiques comme la payola. Plus de transparence aiderait sans doute à améliorer le système, mais cette « opacité » est aussi la condition de son maintien. Si les gens savaient qu’ils ne gagneront pas forcément beaucoup même en réussissant, la plupart refuseraient d’assumer un tel risque. Comme il n’existe pas de formule du succès, cette industrie ne peut finalement s’expliquer que comme un « lancer de pièce biaisé »
Avis regrettant que l’article ne parle que de rappeurs plutôt que d’orchestres ou de musiciens de session. En réalité, depuis l’apparition de la musique enregistrée, les consommateurs choisissent les enregistrements des meilleurs musiciens plutôt que des interprètes de niveau intermédiaire. Il est donc extrêmement difficile de devenir un « musicien de classe moyenne » doté d’une petite notoriété. Au final, vivre grâce à un marché local, une niche ou des performances de rue ne semble pas une mauvaise voie
La majorité des musiciens relèvent aujourd’hui de la « classe moyenne », avec une poignée de superstars et une multitude d’artistes pauvres. Témoignage sur de petits revenus de concerts de l’ordre de 20 à 100 dollars, et sur l’épuisement de gagner 200 dollars après 8 heures de préparation, même pour une grosse scène. Autrefois, les musiciens étaient indispensables à toutes sortes d’événements, alors qu’aujourd’hui un téléphone portable peut simplement remplacer la musique
Les groupes qui jouent dans de petites salles de 100 à 200 personnes montent sur scène uniquement par pure passion. C’est d’ailleurs pour cela qu’ils paraissent plus intéressants. Sachant que les revenus des concerts ont baissé, envie de les soutenir davantage via le merchandising ou d’autres achats. On peut profiter d’une « expérience marquante à petit prix », sans trop de risque en cas de déception. Comme la Norvège n’a pas beaucoup de grandes salles, cette culture y est vue encore plus positivement
Mention de John Philip Sousa, qui avait perçu avec justesse les effets négatifs de la musique enregistrée
Même si l’on dit que la musique open source, c’est-à-dire les performances de rue, s’est effondrée du jour au lendemain, les revenus qu’on en tire peuvent en réalité dépasser ceux d’un projet open source utilisé par des dizaines de milliers de personnes
Avis selon lequel diffuser de la musique sur des haut-parleurs et assister à un vrai concert live sont deux expériences totalement différentes
Critique de la tendance selon laquelle les musiciens viennent de milieux de plus en plus aisés. Sans soutien financier, se lancer dans l’art devient un pari extrêmement risqué. Prise de conscience que l’époque des musiciens issus des classes populaires ou à faibles revenus touche à sa fin
Exemple du Royaume-Uni, où l’ancien système d’allocations chômage, la golden age of the dole, a donné aux artistes des classes modestes et moyennes du temps et des opportunités pour faire éclore leur art. Article associé
Rappel que dans le passé, c’était aussi vrai en science : sans mécènes fortunés ou richesse familiale, il était difficile de faire de la recherche
Constat que toutes les industries créatives sont similaires et dominées par les « enfants de privilégiés ». Luxe, labels, art, littérature : pour atteindre le haut du panier, il faut supporter des stages coûteux et la vie onéreuse dans les grandes villes. Aujourd’hui, même le nombre d’abonnés sur les réseaux sociaux sert de seuil de sélection
Perception que le métier de musicien ressemble beaucoup à celui d’acteur. Réseau, argent et liens familiaux sont les facteurs les plus importants. Exemples : des parents acteurs qui conditionnent leur participation au casting de leurs enfants, ou des parents riches qui financent un film à condition que leur enfant y joue, avec des cas comme Nicolas Cage ou Jeff Bridges. C’est pareil chez les riches de la tech. Qu’on soit acteur ou musicien, tout tourne autour du capital et des relations
Le même phénomène se répète dans le sport, comme le basket. Les enfants passés par des camps plus chers et de meilleurs réseaux accaparent les bonnes opportunités. Avec des cas comme Bronny James, fils de LeBron James, l’effet « enfant de privilégiés » a gagné jusqu’au sport. Déception face au fait que même le sport n’est plus un terrain d’« égalité des chances »
Question posée : quel est le « bon nombre » de musiciens qui devraient pouvoir atteindre l’autonomie économique ? Le streaming a réduit ce nombre, mais il est admis que la musique enregistrée avait déjà rétréci le marché. Interrogation plus fondamentale : faut-il recommencer à voir la musique non comme un métier, mais comme un art de loisir ? Comme il n’existe pas vraiment de gens qui vivent de la peinture de paysage, peut-être que la place naturelle de la musique a toujours été différente
Si quelqu’un crée par amour sans trouver de moyen de monétiser son travail, alors le temps qu’il peut consacrer à cet art devient lui-même limité. En conséquence, les meilleures œuvres et les meilleures expériences de création risquent de ne jamais voir le jour. Il suffit d’imaginer ce qui arriverait si des domaines spécialisés comme l’ingénierie étaient eux aussi réduits au rang de « hobby » difficilement viable, comme la musique. Les conséquences concrètes sur le terrain et sur l’innovation seraient sérieuses
Insistance sur le fait que la musique et l’art progressent grâce à un équilibre entre professionnels et amateurs. Certaines fonctions ne peuvent être assurées que par des professionnels, comme l’orchestre ou l’enseignement spécialisé, tandis que les amateurs soutiennent la scène professionnelle par des musiques originales ou expérimentales, par les marchés de la performance et par les instruments. La plupart des domaines musicaux ne fonctionnent correctement que si les deux coexistent
En parallèle, il faut aussi se demander, dans des secteurs nouveaux comme le streaming ou les YouTubers, s’il faut vraiment vivre de cette activité. Scepticisme sur le fait que la structure industrielle, le durcissement de la propriété intellectuelle ou de la régulation aient réellement amélioré la qualité de l’art, plutôt que simplement augmenté les coûts d’opportunité
Du point de vue des consommateurs de musique, la vraie question est de savoir quelle diversité musicale ils souhaitent. Si le nombre de musiciens professionnels diminue, alors la variété des produits et services disponibles sur le marché diminuera aussi
Le streaming n’est qu’une étape de la structure industrielle ; en réalité, depuis les progrès techniques liés à l’enregistrement et à la diffusion, la logique du winner-takes-all s’est fortement aggravée, rendant la vie difficile à la majorité des artistes. Avec l’IA, on s’attend à un retour à une structure centrée sur les mécènes et les patrons, comme il y a plusieurs siècles. Les artistes ne devenaient pas riches à l’époque non plus, mais on leur garantissait au moins du temps pour se consacrer à la création
Attention portée au fait que, depuis la pandémie, le coût de presque toutes les activités a fortement augmenté. L’effondrement des chaînes logistiques, y compris l’incident de l’Ever Given dans le canal de Suez, en est une cause supplémentaire. La pandémie et les problèmes de chaîne d’approvisionnement étant pourtant terminés, questionnement sur les raisons pour lesquelles les prix ne reviennent pas à la normale, et sur la nécessité d’une explication plus profonde qu’une simple cupidité des entreprises
Le fait que les prix redescendent difficilement peut relever de la dynamique normale de l’inflation, mais hypothèse avancée selon laquelle la pandémie a complètement transformé les habitudes de consommation et les modes de vie. Des technologies qui semblaient anodines, comme le télétravail, le streaming ou la livraison, se sont généralisées pendant la pandémie, au point que la structure du marché ne peut plus revenir à son état d’avant-Covid
Explication selon laquelle les gouvernements ont excessivement augmenté la masse monétaire pendant la pandémie, ce qui explique que le niveau élevé des prix ne se résorbe pas facilement aujourd’hui
Un autre problème vient de la très forte baisse des barrières à l’entrée. Autrefois, il fallait faire ses preuves et obtenir un contrat discographique, alors qu’aujourd’hui il suffit de télécharger un logiciel comme Logic, de produire de la musique via l’automatisation et la correction, puis de l’envoyer directement sur les plateformes de streaming. D’où l’ironie que de vrais musiciens très talentueux comme MonoNeon disposent au contraire d’un véritable pouvoir d’attraction sur les billets
Témoignage d’une personne qui travaillait comme producteur de musique et a changé de carrière pour aller vers la data science il y a cinq ans. Pour réussir dans l’industrie musicale, même avec du talent et du réseau, la « chance » reste absolument déterminante. Et cette fenêtre de « chance » s’est encore rétrécie récemment