- Wacław Szpakowski a formalisé toute sa vie des esquisses commencées vers 1900 à l’âge de 17 ans, pour les faire évoluer en dessins abstraits géométriques labyrinthiques composés d’une seule ligne continue
- Parti d’expérimentations spontanées ne nécessitant que du papier et un crayon, son travail aboutit pourtant à une uniformité méticuleuse et à une grande complexité, au point que son mode de fabrication devient lui-même un enjeu de contemplation
- Son œuvre n’a été révélée qu’en 1978, cinq ans après sa mort, et Grounding Vision: Waclaw Szpakowski à la Miguel Abreu Gallery de New York est la plus grande exposition de Szpakowski jamais organisée aux États-Unis
- L’exposition met en regard 26 dessins et des carnets originaux avec les œuvres d’artistes contemporains, confrontant les questions de répétition, de système et de déplacement de la ligne à des œuvres réalisées presque un siècle plus tard
- Pour Szpakowski, ce travail n’était pas décoratif mais relevait d’une idée linéaire à suivre du regard, et l’exposition l’inscrit dans les débats autour de l’art abstrait, conceptuel et outsider
Un projet d’une vie tracé sur une seule ligne
- À 85 ans, Wacław Szpakowski rédige « Rhythmical Lines » pour faire le point sur le travail qu’il a poursuivi toute sa vie
- Ce projet est une série de dessins abstraits géométriques labyrinthiques, chacun composé d’une seule ligne continue
- Il commence ces dessins vers 1900 à l’âge de 17 ans, puis formalise progressivement ses premières esquisses, les rassemble et les développe en compositions plus complexes
- « Rhythmical Lines » est écrit à la troisième personne et laisse transparaître son inquiétude quant à la légitimité de son art
- Pour Szpakowski, ces dessins n’étaient pas le produit d’un laboratoire, mais des expériences de lignes droites menées spontanément dans divers lieux et au gré des circonstances, avec pour seuls outils du papier et un crayon
Une méthode de fabrication entre spontanéité et précision
- Si les graines de ces idées viennent de notes informelles, les dessins achevés témoignent d’une virtuosité bien éloignée de l’improvisation ou du hasard
- Les œuvres combinent régularité du trait, netteté d’exécution et grande complexité
- Quelques traces d’effacement constituent presque les seuls indices permettant d’imaginer leur fabrication
- Sur un dessin, deux lignes apparaissent de part et d’autre du trait final plus épais
- Cela suggère que Szpakowski a pu suivre le parcours de chaque motif à trois reprises
La révélation de 1978 et l’exposition new-yorkaise
- L’œuvre de Szpakowski n’a été montrée au public qu’en 1978, cinq ans après sa mort
- Elle est ensuite apparue dans plusieurs expositions, mais surtout dans sa Pologne natale ; elle reste peu connue et facilement sujette aux malentendus
- Grounding Vision: Waclaw Szpakowski à la Miguel Abreu Gallery de New York est la plus vaste exposition du travail de Szpakowski jamais présentée aux États-Unis
- L’exposition réunit 26 dessins de Szpakowski et des carnets originaux aux côtés d’œuvres d’artistes contemporains
- Conçue comme une collaboration entre les commissaires Masha Chlenova et Anya Komar, elle adopte une forme expérimentale faite de réponses, de critiques et de contre-arguments espacés de presque un siècle
Szpakowski architecte, ingénieur et violoniste
- Il est difficile de réduire Szpakowski à une figure purement provinciale : après une formation en architecture, il travaille comme ingénieur
- Il joue du violon et estime plus tard que ses dessins pourraient servir de partition musicale
- Ses carnets, qui mêlent observations architecturales, schémas de phénomènes naturels et notes passionnées, évoquent une version XXe siècle des carnets de Leonardo da Vinci
- Parmi ses objets d’observation figurent des phénomènes naturels comme les courants marins et les aiguilles de sapin
- Il poursuit cette activité intellectuelle pendant les deux guerres mondiales
- Durant la Seconde Guerre mondiale, il est un membre actif de la Home Army
- Il est emprisonné pour cette raison, et son fils meurt
- Dans « Rhythmical Lines », il écrit que le fait d’avoir conservé ses esquisses à travers les destructions et les difficultés des deux guerres mondiales montre à quel point il tenait à ses idées linéaires
Non pas un décor, mais une ligne à lire
- Un public du XXIe siècle peut d’abord soupçonner les dessins sophistiqués de Szpakowski d’avoir été générés par ordinateur, puis, en apprenant qu’ils sont tracés à la main, se focaliser à l’excès sur leur technique de fabrication
- De son vivant, Szpakowski contestait déjà la manière dont ses dessins pouvaient être consommés d’un seul regard comme un simple décor
- Il se tenait également à distance des interprétations qui les réduiraient à des références telles que le motif grec antique du méandre ou les motifs textiles
- Pour lui, l’œuvre n’était pas un simple ornement, mais une idée linéaire
- Il estimait qu’« un seul regard ne suffit pas »
- Il faut suivre la ligne de gauche à droite pour accéder à son contenu intérieur
- Ce processus s’apparente à la lecture
Mise en regard avec des artistes contemporains
- L’exposition regroupe les motifs selon le propre système de numérotation de Szpakowski et répartit dans l’espace de la galerie les œuvres de sept artistes contemporains
- Florian Pumhösl connaissait déjà Szpakowski et a réalisé pour cette exposition cinq sculptures en plâtre répondant directement à ses dessins
- Elles ressemblent à des maquettes vues du ciel et rappellent la formation architecturale de Szpakowski
- En étudiant en trois dimensions les entrées et sorties de ses dessins, elles prennent la forme de rampes d’accès et de sortie menant vers un plateau
- Une fois entré dans la ligne, on ressent une vitesse et des virages abrupts, comme sur une route à sens unique dépourvue de terre-plein central ou d’aire de repos
- Le film de trois minutes de Guy de Cointet montre une ligne se déplaçant lentement sur d’épaisses formes abstraites
- Une fois le titre Untitled (7) lu, on comprend qu’il s’agit de l’aiguille des secondes traversant lentement le chiffre 7 sur une horloge coupée et tournée
- L’installation de Hanne Darboven marque les dates d’une année d’une manière singulière
- Le travail de Sam Lewitt paraît formellement proche de celui de Szpakowski, mais il se réfère à un modèle agrandi de système de chauffage utilisé dans les technologies de communication et fonctionne selon cette logique
- Les deux artistes s’intéressent à l’efficacité de formes pouvant être liées à des forces invisibles
- Le travail de Lewitt adopte la distance critique propre à l’art contemporain, ce qui donne à l’invention de Szpakowski l’air d’une ancienne naïveté
D’objet de curiosité à espace de débat
- Certaines mises en regard soulignent l’écart entre l’époque de Szpakowski et la nôtre
- Malgré cela, son projet conserve tension et persistance
- Cette exposition retire Szpakowski du simple registre de la curiosité pour le faire entrer dans un véritable espace de discussion
- Masha Chlenova voit dans le travail de Szpakowski ce qui résonne comme une « ultimate nerdiness », en soulignant qu’il s’est obstiné, d’une manière très isolée, à découvrir quelque chose que personne d’autre n’avait imaginé
- Cet isolement n’est pas une naïveté au sens négatif, mais un sentiment de liberté, qui peut être essentiel à la création artistique
1 commentaires
Avis sur Hacker News
J’aime vraiment ce genre d’art géométrique. Je crée moi aussi des œuvres numériques géométriques centrées sur des pavages complexes sur https://andrewwulf.com
Ce n’est pas destiné à la vente, juste à être montré. La géométrie et les maths peuvent être assez fascinantes pour les gens, mais de nos jours, en dehors des NFT, cela ne semble pas si populaire commercialement. La répétition et la variation peuvent être des outils puissants en art, et Wacław mérite d’être mieux connu
J’aurais voulu en citer quelques-unes, mais après en avoir longuement regardé une puis être passé à une nouvelle œuvre, la nouveauté faisait toujours paraître la nouvelle meilleure, si bien que je me retrouvais moi aussi à tourner en rond
Cela m’a aussi rappelé le design graphique de "May Contain Hackers 2022". Je l’ai vraiment aimé, et il y avait aussi un outil pour générer des designs similaires https://mch2022.org/#/ https://mch2022.org/design/
Cela m’a aussi rappelé les œuvres de Bernard Cohen que j’avais vues à la Tate Modern. Pour moi, cela allait au-delà du simple bouton “joli motif géométrique”, et ressemblait à un accomplissement d’un niveau supérieur, donnant même à ressentir l’ordre et le désordre d’une intelligence humaine à l’œuvre
Je n’ai pas trouvé de page réunissant exactement les œuvres auxquelles je pense, mais voici quelques liens utiles :
https://www.flowersgallery.com/exhibitions/387-bernard-cohen...
https://www.artnet.com/artists/bernard-cohen/
Celui-ci est probablement plus complet :
https://duckduckgo.com/?q=bernard+cohen+works&iax=images&ia=...
https://omarrr.com/isolation-pixel-series
Ce n’est pas non plus à vendre
Le principe est de créer une œuvre en utilisant chaque valeur RGB exactement une fois
Exemple : https://allrgb.com/
Grâce à cet article et à un commentaire mentionnant les systèmes de fonctions itérées, il y a ici un lien intéressant entre deux Polonais : Wacław Sierpiński, c’est-à-dire l’homme du triangle de Sierpiński [1], et "Wacław Szpakowski". Vu l’époque, ils auraient même pu se rencontrer
Ce qui est aussi intéressant dans ce genre de rapprochement, c’est de chercher des sources qui mentionnent les deux dans le même support, par exemple une page web ou un article. C’est ainsi que je suis tombé sur un livre très prometteur d’Axel Rohlfs, "Art, algorithm and ambiguity. Aesthetic ambiguity with regard to metacognition based on visual semiotics, visual rhetoric and Gestalt Psychology" [2]
Cette méthode fonctionne parfois aussi dans d’autres domaines. Si un chercheur connaît plusieurs faits, noms ou entités peu connus d’un domaine, il y a de bonnes chances qu’il soit très compétent dans ce domaine, ou du moins qu’il y ait consacré suffisamment de temps
[1] https://en.wikipedia.org/wiki/Wac%C5%82aw_Sierpi%C5%84ski
[2] https://archiv.ub.uni-heidelberg.de/artdok/8576/1/Rohlfs_Art...
Si ce genre vous plaît, ça vaut la peine de s’intéresser à tout le mouvement appelé op art [1]. Il y a notamment des artistes comme Bridget Riley.
J’ai vu une grande exposition Riley à la Tate en 2003, et c’était vraiment superbe. En entrant, sur le premier mur que l’on voyait, il y avait une immense œuvre unique créée spécialement pour cette exposition. Sur un mur d’un blanc très lumineux, des cercles noirs aux 3/4 étaient disposés selon une grille assez espacée, et l’ouverture de chaque cercle semblait tourner quand on regardait d’un côté à l’autre du mur, ou de haut en bas.
C’était une illusion d’optique très particulière : une œuvre purement statique en noir et blanc, mais qui faisait halluciner des couleurs et du mouvement au cerveau. Je connaissais un peu le travail de Bridget Riley, car elle fait partie des artistes visuels que l’on étudie quand on s’intéresse à la musique du XXe siècle, mais je ne m’attendais pas à ce que l’illusion fonctionne aussi bien à une telle échelle.
[1] https://en.wikipedia.org/wiki/Op_art
Ce que j’ai préféré, ce sont ses fresques murales tardives et très colorées, comme Rajastan (2012). Le fait qu’elles soient peintes directement sur les murs de la galerie soulève des questions intéressantes en matière de droit d’auteur et de propriété des œuvres.
J’imagine que son équipe doit les repeindre à chaque lieu d’exposition, puis superviser aussi le processus de destruction. On peut même imaginer un incident façon dysfonctionnement du téléporteur de Star Trek : « mince, il y a maintenant deux Rajastan (2012) ».
J’ai toujours trouvé intéressant aussi qu’elle n’ait pas aimé le résultat de cette œuvre en 3D, et qu’elle soit ensuite revenue aux toiles planes pour le reste de sa carrière. Cela dit, moi aussi j’ai trouvé cette œuvre stupéfiante.
Un lien vers un bon documentaire sur Riley pour les personnes qui ont accès à la BBC : https://www.bbc.co.uk/iplayer/episode/m0011psx/bridget-riley...
Superbe. Cela me fait penser au Visage du Christ de Claude Mellan, en 1649. Là aussi, une seule ligne continue est utilisée, mais lui l’a gravée à la main dans l’acier.
https://www.gallery.ca/magazine/your-collection/a-familiar-f...
Ces œuvres me font penser à https://en.m.wikipedia.org/wiki/Space-filling_curve
J’ai toujours été fasciné par la courbe de Hilbert.
On dirait une mine d’or pour des exercices Logo dont le but serait d’écrire le programme le plus court possible pour une image donnée. On pourrait même tout classer selon la complexité de Kolmogorov.
Au premier coup d’œil, j’ai pensé à une antenne PCB. Je me demande quelles seraient ses caractéristiques radiofréquence si on l’utilisait vraiment, juste pour s’amuser.
Vraiment impressionnant. Il faut tenir compte de l’année où ces œuvres ont été créées et du Zeitgeist de l’époque.
À cette période, imaginer quelque chose comme ça devait demander une autre forme de pensée. C’est beau et très bien exécuté. C’est pour cela que les artistes sont importants. Ce sont eux les brise-glaces, les autres suivent derrière.
J’étais à NYC à peu près au moment où cette exposition se préparait, et un ami m’a parlé de cet article en me disant d’y aller.
Je crois n’avoir jamais ressenti un lien aussi fort avec une exposition en galerie qu’avec les œuvres de Wacław. Il y avait quelque chose dans le fait de créer des œuvres aussi sophistiquées avec une seule ligne. Ce fut un moment fortuit que je n’oublierai pas de sitôt.
À l’ère pré-numérique, la découverte et la distribution étaient défaillantes, si bien que des créateurs talentueux passaient inaperçus. Dans l’avenir numérique, la découverte et la distribution seront défaillantes, si bien que des créateurs talentueux passeront inaperçus.
Trêve de lamentations : c’est une bien rare pépite mise au jour ici.
Je me demande s’il existe, pour le dessin en ligne unique, quelque chose qui corresponde aux pavages apériodiques.
https://www.felixflicker.com/research